Çağdaş müzik üretimi, onlarca yıllık tekniklerin ve teknolojik ilerlemelerin doruk noktasıdır ve şu anda DAW’larımızda yaptığımız şeylerin çoğu, çok uzun zaman önce çok farklı ekipmanlar kullanılarak geliştirilen teknikleri kullanır.
Bununla birlikte, şu anda standart uygulama olarak gördüğümüz şeylerin çoğu, bir zamanlar son teknoloji olarak görülüyordu. 1960’lardan herhangi bir sayıda Motown parçasını dinleyin ve genellikle işitilebilir bir şekilde devreye giren kompresörün sesi veya enerji ve lezzet katan analog bandın doyurma sesidir. Bunun kasıtlı olup olmadığı belli değil ve o sırada mühendisler ayrıca mevcut bantta en iyi sinyal-gürültü oranını elde etmeye çalışıyorlardı.
Benzer bir zamanda, mühendisler davulların içine mikrofonlar yapıştırmaya (bu başlangıçta pek hoş karşılanmıyordu) veya trampet davullarına bulaşık havluları koymaya başladı. Her ikisi de daha sıkı bir ses verdi ve sonunda yakın mikrofonlama davullarının standart uygulama haline geldiği bir duruma yol açtı.
Analog mikser kanallarını veya hatta ana veri yollarını aşırı yüklemek, yankılar gibi donanım işlemcilerini kullanmak ve kötüye kullanmak veya yay yankıları veya teyp gecikmeleri gibi aşırı çalışan fiziksel işlemciler gibi pek çok başka örnek vardır. Ve bu teknikleri, bir davul seti, her seferinde bir davul kaydetmek (Martin Hannett) veya sadece ev ortamını bir stüdyoya dönüştürmek (Joe Meek ve diğerleri) gibi biraz var olan prodüksiyon konseptleriyle birleştirebilirsiniz. Bunların çoğu bugünlerde oldukça uysal görünüyor, ancak örnekler, zorunluluğun veya sadece birkaç risk almanın, müzik üretim tekniklerinin nasıl yaratıcı ve son teknoloji şekillerde değişmesine ve gelişmesine yol açtığını ortaya koyuyor.
Sonunda, ARP ve EMS synth’leriyle donanan Jean-Michel Jarre, melodik ve duygulu enstrümantal elektronik müzikten oluşan zamansız bir albüm yarattı. Ayrıca, etkin bir ev stüdyosunda bunun üzerinde çalışmanın mümkün olduğunu ve bu müziğin ticari olarak başarılı olabileceğini gösterdi. Ve o zamanlar müzik teknolojisi pahalı bir geçmiş zaman olduğundan, bu son kısım hayati derecede önemlidir.
On yıldan daha kısa bir süre sonra, örnekleme teknolojisi başlangıç aşamasındayken, maliyet hâlâ bir sorundu. Trevor Horn ve Steve Lipson gibi erken benimseyenler, sıralı gerçek sesleri ana akım yapımlara başarılı bir şekilde dahil etmenin mümkün olduğunu gösterdiler ve 40 yıl sonra Frankie Goes To Hollywood’un Relax ve Two Tribes gibi parçaları hala etkileyici bir şekilde net ve sert geliyor.
Günümüzde bunun gibi numune tabanlı yapımların teknik yönleri, herhangi bir sayıda uygun fiyatlı DAW’de hızlı ve sorunsuz bir şekilde elde edilebilir. O zamanlar süreç sadece gülünç derecede pahalı donanımlar değil, aynı zamanda teyp makineleri ve bir miksaj masası gibi diğer pahalı donanımlarla entegre etme yeteneği de gerektiriyordu. Kulağa yeterince basit geliyor, ancak çoğu zaman bu bütünleştirici yönler, zamanın ileri teknoloji üreticileri için en büyük engeli oluşturuyordu.
Ancak sınırları zorlama ve alışılmışın dışına çıkma hikayesi, her ne kadar önemli olsa da, sadece teknoloji ile ilgili değildir. Aynı zamanda müzikal vizyonla da ilgilidir ve işleri ilerletmek için genellikle hem müzik hem de teknolojiden anlayan biri gerekir. Böyle bir örnek, 1970’lerin başlarında, genç bir Fransız müzisyenin elektronik bestecilerin deneysel seslerini ve tekniklerini daha yaygın bir izleyici kitlesine ulaştırmak istediği zamandı.
Tabii ki, örnekleme için gerçek oyun değiştirici, süreci uygun maliyetli hale getirmekti. Akai’nin 12-bit S900’ü ve sonraki varyantları gibi donanımlar, örneklemeyi geniş kitlelere ulaştırdı ve güvenilir bir bilgisayar platformunda (klasik Atari 1040ST) güvenilir bir yazılım tabanlı MIDI sıralayıcı (örneğin Emagic Notator) ile eşleştirilerek üreticilere şu şekilde hizmet veren bir sistem sağladı: Uzun yıllar Norman Cook (Fatboy Slim) rolünde çok iyi oynadı.
Bu sistemleri, çoklu izlemenin fiili yöntemi olan bir teyp makinesiyle senkronize edebileceğiniz gerçeğini de ekleyin ve bunun neden yerli sınırları zorlayan bir müzik patlamasına neden olduğu oldukça açık. Bununla birlikte, teknoloji hiçbir şekilde şeffaf değildi ve genellikle oldukça hantal ve kullanımı sinir bozucuydu. Özellikle zaman esnetme biraz isabetsizdi ve işlemi tekrarlamak ses bozulmasında bir kartopu yaratacaktı.
Bu nedenle, Rockafeller Skank’ta, perdeyi korumak ama tempoyu değiştirmek için zaman uzatma kullanan bir süreç olan çılgın yavaşlama ve hızlanma bölümünü duyduğunuzda, bugünün araçlarının bunu daha hızlı ve daha doğru bir şekilde yapabilse de, bunu kabul etmek önemlidir. bu bir meydan okumaydı ve muhtemelen doğru olması biraz zaman aldı. Bununla birlikte, ses eserleri ve çeşitli aşamalı bölümler – büyük olasılıkla birbirine örüldüğü yerler – cazibenin büyük bir parçası.
Örneklemeden sonra, bir sonraki büyük teknolojik değişim tamamen DAW’lar ve her şeyi kutuda yapmakla ilgiliydi. Örnekleme, seviye atlamanın nasıl bir şey olacağına dair bir tat sunuyorsa, DAW tabanlı üretimin hakimiyeti bu evi gerçekten etkiledi. Bununla birlikte, bu süreç bir gecede olmadı.
Birkaç yıl boyunca, tescilli donanımı ve eklenti formatı ile Pro Tools’un hakimiyeti , bir kez daha iyi bir bütçeye sahip olanlara yol açtı. Bu, birkaç kreatif için sinir bozucu olsa da, diğer sistemler paralel olarak gelişti ve Steinberg’in VST’si eşit derecede önemli bir gelişme olmaya devam ediyor.
Sınırları zorlamak açısından, yazılım tabanlı üretim, tüm zamanların en devrim niteliğindeki, aşırı kullanılan, tartışmalı ve oyunun kurallarını değiştiren işlemcilerinden birini başlattı: Auto-Tune. Bu, sesi yeniden sunan ilk araç değildi ve mühendisler zaten bu amaçla Eventide’s Harmonizer gibi donanımlardan yararlanmıştı. Ancak bir eklentinin ayarlamayı otomatik olarak bu kadar başarılı bir şekilde düzeltebileceği fikri yeniydi.
Çoğu zaman olduğu gibi, herkesin dikkatini çeken, maksimum miktarına ayarlanan sürecin kötüye kullanılmasıydı. Cher’s Believe , tarihe hileli bir pop şarkısı olarak geçmiş olabilir, ancak aşırı perde düzeltme artık her yerde bulunur ve çok çeşitli türlerde kullanılır ve nedenini görmek kolaydır. İnsan ve makine arasında köprü kuruyor gibi görünen bir sese sahip vahşi, sentez benzeri doğası, ses kodlayıcı veya konuşma kutusu gibi sesle ilgili diğer efektlerden daha agresif bir sonuç sunar.
Dahası, birçok geliştirici ve hatta DAW’lar bu işlevselliği standart olarak sunduğundan, hem kullanılabilir hem de uygun maliyetlidir. O zamandan beri Celemony’s Melodyne gibi yazılımlar sayesinde ses perdesi, zamanlama, formantlar ve benzerlerinin manipülasyonu yeni seviyelere taşınmıştır.
Alışılmadık eski ekipmanları aramak veya müzikle ilgili olmayan çağdaş sistemleri yeniden kullanmak, sınırları aşmanın iki yoludur. Ya da seslerinizi gerçek dünyadan veya gerçek dünyaya işleyebilmek için alabilirsiniz. Burada sonuçların sonsuza kadar öngörülemez olduğunu göreceksiniz ve bu tam olarak peşinde olduğunuz şey olabilir.
Sınırları zorlamak öznel bir şey olsa da başkalarından hala çok şey öğrenebiliriz, bu nedenle ilham almakta zorlanıyorsanız işte bazı öneriler. Liam Howlett (The Prodigy) örneklemeyi sever ama aynı zamanda soniklerin sınırlarını zorlamayı ve ticari avantajını korumayı da sever.
Bir örnekleme ipucu olarak, Norman Cook’un (Fatboy Slim) bazı harika manipülasyon ve zaman esnetme örnekleri var. Gürültünün, bozulmanın ve genel programlama sihirbazlığının yaratıcı kullanımı için Richard D James (Aphex Twin), özellikle pek çok müzik tarzını bir araya getirdiği için iyi bir başlangıç. Ve daha fazla ortam sesi size göreyse, hem Kieran Hebden (Four Tet) hem de Jon Hopkins, dans esintili ilham verici ses manzaraları yaratıyor.
Vokal hileleri, ısıran lead’ler ve eğilen baslar için Skrillex’e ve hızlı tempolu Vocaloid sesleri için Japonya’nın Camellia’sına bakın. Son olarak, doğuştan gelen bir pop duyarlılığıyla birleşen açısal sesler için, SOPHIE (ne yazık ki 2020’de vefat etti) ezber bozan biriydi.
